Vans, con esta serie de videos, nos muestra lo que hay dentro de ese artista o deportista urbano que son una gran influencia y un gran ejemplo para las generaciones jóvenes; nos muestra como estos ídolos también han tenido que superar situaciones muy difíciles para llegar hasta donde han llegado. Aquí les dejo el video de Tony Alva, un skateboarder con una labor altruista muy importante para orientar a jóvenes al deporte del skate. Pueden checar también los demás videos en la página de Vans.

Presentamos la entrevista a Jordi Pagès, el diseñador 3D del estudio londinense Seeper, estudio en el que ha colaborado en la producción de proyectos como: ACDC vs Iron Man2, Kraftwork, The Ice experience y The LightLine of Gotham, involucrando el mapeo en 3D o 3D mapping.

Sus proyectos personales representan dimensiones abstractas fuertemente influenciadas y sincronizadas con el sonido, representando fluidos y deformaciones orgánicas a parte de geometría básica.

¿Qué es el 3D Mapping?

El 3D “mapping” a nivel arquitectónico consiste en, mediante la utilización de poderosos proyectores, emitir contenido audiovisual sobre la fachada de un edificio, de manera que el contenido audiovisual encaja con los elementos arquitectónicos de la fachada creando ilusiones ópticas y efectos visuales. Creando espectáculos audiovisuales a gran escala complementados con música o paisajes sonoros, haciendo que para el espectador, en algunas ocasiones, sea difícil de diferenciar entre elementos reales y ficticios.

¿Cómo comenzó a interesarte el 3D Mapping o como llegó a ti?

La tesis que tuve que desarrollar investigaba cómo el contenido de los “motion graphics” podía ser afectado y/o acentuado según la técnica utilizada para emitirlo. En el desarrollo de la tesis investigué tecnologías como la reproducción de video en 3D de manera activa e inactiva, la reproducción de contenido audiovisual mediante dispositivos portátiles y la reproducción de contenido audiovisual en superficies irregulares de gran escala.

El 3D “mapping” llegó a mi mediante la comunidad Behance (www.behance.net). Seeper contacto conmigo al ver dos de mis proyectos personales, F17 y Mass, por la simulación de fluidos con Realflow y la armonía del contenido 3D con el sonido. Después de una charla con Evan (fundador de Seeper) entré a formar parte del equipo de producción para ACDC vs Iron Man 2.

¿Qué tipo de herramientas son las que utilizas para trabajar ?

El software que más utilizo para crear el contenido 3D es Cinema4D de Maxon, con el modulo Mograph y diversos “plugins” adicionales, por los resultados óptimos que proporciona en muy poco tiempo, ya que en todos los proyectos que he participado el tiempo del que disponíamos era muy escaso y gran parte de éste se dedicaba al renderizado. Para componer y editar el contenido creado con C4D, utilizamos Adobe After Effects con “plugins” como Trapcode o Twitch. Estos son los principales software utilizados, complementados con aplicaciones secundarias como Realflow, Photoshop, Illustrator, Sketch Up, AutoCad, Rhino.

Para alinear los diversos proyectores utilizados para el evento, utilizamos un software desarrollado por Seeper que nos permite encajar el contenido audiovisual con la fachada donde tiene que ser proyectado.

¿Qué equipo se necesita para empezar con el 3D Mapping?

Lo más esencial para empezar, son los ordenadores capaces de crear el contenido para la proyección en un tiempo razonable, una vez se es capaz de crear el contenido lo ideal sería un proveedor para los poderosos proyectores (cuantos más proyectores y más poderosos mejor).

Una vez que se tiene el hardware preparado solamente falta el lienzo, para crear la obra, cada edificio tendrá diferentes elementos, algunos condicionarán el contendió del espectáculo y otros lo complementarán, pero definitivamente el edificio o fachada utilizada será el elemento más influyente en el contenido del espectáculo.

¿Cuál ha sido el reto más difícil al que te has enfrentado?

El reto más difícil en este tipo de proyectos suele ser la diferencia entre las distintas superficies de las fachadas y como éstas afectan al contenido audiovisual en términos de tonos de color, definición, contraste, etc. Otro elemento que complica el control del resultado final es la contaminación lumínica que disminuye considerablemente el contraste y modifica los tonos de color de manera irregular en las diferentes partes del “lienzo”.

La posición de espectador también es muy importante ya que el efecto visual no funciona según la perspectiva que se mire, y las posiciones aconsejadas a los espectadores para disfrutar del espectáculo suelen ser ignoradas. En algunas ocasiones incluso tenemos que calcular el retraso con el que el sonido llega al espectador para conseguir que la sincronización audio-video funcione correctamente.

¿Qué proyecto de los que has realizado es el que más has disfrutado?

El proyecto que más he disfrutado tanto a nivel de resultado final como produciéndolo es “The LightLine of Gotham” que fué producido para la apertura del “afterparty” en el primer Vimeo Awards Festival realizado en Nueva York.

En dicho proyecto Seeper depositó más confianza en mí, debido a mi papel en proyectos anteriores y me concedieron más libertad creativa en el desarrollo del contenido y su producción, y la oportunidad de trabajar juntos con Ultre (http://ultre.co.uk/) que diseñó el sonido para la pieza. Esto me hace sentir mucho más identificado con el resultado final, ya que mi aportación estilística es mucho más notoria.

¿Cuáles son tus fuentes de inspiración a la hora de empezar un proyecto?

Cualquier cosa de mi entorno puede servirme como fuente de inspiración para la creación de los conceptos o la narrativa de un proyecto, cualquier edificio, el comentario de un amigo, una canción, etc.

Pero si tengo que mencionar los diseñadores más influyentes para mi obra serian sin duda Onesize, Maxim Zhestkov, Dvein, Onur Senturk y Korb entre muchos más.

Las principales fuentes que utilizo para seguir a mis diseñadores favoritos y buscar inspiración, son webs como Vimeo, Ventilate.ca, motionographer.com, seenoevil.tv, hechoenmotion.com y abduzeedo.com

¿Algún consejo que te gustaría compartirnos?

Una parte muy importante de estos eventos que a veces no es considerada, es el cómo se documenta el evento, ya que en el evento pueden asistir centenares, incluso miles de personas, pero una vez on-line millones de usuarios verán el proyecto. Por lo tanto es importante planear una estrategia para documentar el evento de manera que haga justicia a la calidad del mismo.

Con un par de cajas y un proyector uno puede hacer cosas realmente impresionantes y demostrar su potencial. Documentad la instalación y mostradla on-line, para dar a conocer vuestra creatividad y habilidades técnicas.

Muchas gracias a Jordi Pagès por su tiempo para la entrevista y a Seeper por el material

Actualmente Oscar Andrade es el Director Creativo de Jaguar Taller Digital y a su vez es el Director del Festival de Animación y Videojuegos Loop, un festival que nació en el 2003 como una muestra de trabajos estudiantiles y profesionales que se realizó por primera vez en la sala de proyectos de la Facultad de Artes y Humanidades de la Universidad de los Andes en la ciudad de Bogotá. Hoy en día este festival es uno de los eventos más importantes de nuestro país sobre animación y videojuegos, allí se reúnen expertos y aficionados para participar de los seminarios, talleres, muestras y exposiciones, compartiendo con el público en general los últimos avances en animación y videojuegos que se realizan en nuestro país.

Loop es una de las cartas de presentación con las que cuenta este artista colombiano realizador de cine y televisión, quien en los últimos días presentó en premier mundial en el LXVII Festival de Venecia, junto con Jairo Carrillo el largometraje animado Pequeñas Voces, una película animada que está basada en entrevistas realizadas a niños de 8 a 13 años víctimas del conflicto armado en nuestro país. La película narra la historia de cuatro niños que cuentan desde su perspectiva de inocencia e ingenuidad la forma en la que ellos perciben su realidad.

Creativos Colombianos estuvo en la conferencia “Panorama de la Animación Colombiana” dictada por Oscar Andrade en la ciudad de Pereira y esto fue lo que nos contó:

¿Quieres ver el detrás de cámaras de Pequeñas Voces? Click Aqui.

Puede leerse en el web site de Carlos Cortés.

La semana pasada estuve hablando con Aldo acerca de hacerles una entrevista a los chicos de El Cosmonauta, ya que juntos fueron ganadores en los Premios INVI de RTVE.

El miércoles comencé a investigar acerca de la actualidad del proyecto, (yo también soy productor del cosmonauta), sus últimos premios, reconocimientos, etc. Cuál fue mi sorpresa cuando me di cuenta que estaban a punto de dar una charla en HUB Madrid.

Terminé de ver un par de post del blog del cosmonauta y me fui a verles hablar acerca del plan estratégico del proyecto. A continuación os resumo el proyecto en pequeñas píldoras:

¿Qué es?
El Cosmonauta es un proyecto de largometraje producido por Riot Cinema Collective que plantea un nuevo modelo de financiación, producción y distribución, aprovechando las herramientas 2.0 comunidades y móviles.
En el ámbito del cine “…es uno de los primeros proyectos que intentan crear un nuevo modelo de negocio basado en el valor añadido y un público más involucrado”.

Pero El Cosmonauta en sí es una historia que se ambienta en 1975. Stan se prepara para ser el primer cosmonauta ruso en la luna. Días después del despegue, la nave pierde toda comunicación con la tierra. Un día la nave cae a la tierra pero sin cosmonauta. El desconcierto aumenta cuando comienzan una serie de trasmisiones de radio: Stan habla desde un lugar desconocido. Dice haber llegado a la tierra y haberla encontrado vacía…

Si os mola el guión, lo podéis leer entero en su página web. Desconcertante también, ¿no?… Pero en sí, la concepción del proyecto es desconcertante, y si no lo creéis, seguir leyendo.

Palabras Clave

Crowdfunding: A partir de 2 euros puedes ser productor de la película. (ver más acerca de este concepto)

Creative Commons: El cosmonauta utiliza este tipo de licencia que amplía el concepto de Copyright y permite que, bajo ciertas condiciones, la película se distribuya libremente, se copie, se remezcle, y se generen nuevas obras utilizando su material original. (ver más acerca de este concepto)

Distribución sin venta de exhibición: El cosmonauta tendrá un estreno el mismo día en DVD/Blueray, Internet, TV y Salas de cine.

Transmedia: El proyecto narra un universo, Cuenta la historia del cosmonauta desde diferentes plataformas (móviles, fotografías, audios e imágenes alrededor de la película). (ver más acerca de este concepto)

A través de todas estos “Tags” los chicos nos comentaron como prevén producir la película. Como dato interesante nos aclararon que la película fue concebida desde sus inicios como un proyecto innovador: la manera de producir, su difusión… por su puesto el objetivo se ha refinado pero han conseguido mantener un rumbo, desde mi punto de vista en sí ya es un triunfo; pero vamos a indagar con qué otras cosas se han topado.

¿…Que han conseguido?
Desde el 11 de mayo del 09 Riot Cinema Collective han conseguido 23 inversores, más de 2000 productores y apariciones constantes en medios de comunicación españoles, como Cuatro, La sexta, CNN+, El país, ABC, webs como Microsiervos, La Información, Loogic etc. A nivel internacional el proyecto se ha hecho eco en Wired UK, Daily Festival, Festival Internacional de RotterdamThe Workbook Proyect…

Apoyos:
Boris Volynov (Cosmonauta retirado), J.L. Ruiz de Gopegui (N.A.S.A. España), Sergei Volkov (Cosmonauta Ruso), Richard Stallman (Fundador de GNU), Joan Fontcuberta (Premio nacional de fotografía), Alex Navarro (MEDIA Europe), CAMEO, Campus Party, Medialab Prado – Madrid, Embajada de La Federación Rusa Madrid, MUBI, UOC, LEEM, entre otros… Alucinante,  ¿no?

Pudimos haber entrevistado a los chicos, ya que yo soy técnicamente productor (con 2€) y Aldo les conoce de concursos y premios, pero no lo vi del todo necesario, ya que lo tenéis en la web, desde el guión hasta imágenes inéditas. Todo es creative commons, re-utilizable, re-interpretable, re-programable… ¿te unes?

Marca personal

HeM: Según tengo entendido Trimono es una “asociación de freelances”. ¿Cómo lleváis el proceso de posicionamiento de marca dentro del mercado? ¿Está siendo un poco duro, o a partir de los contactos de cada uno la cosa va dando sus frutos?

TRIMONO somos tres freelances que dudábamos entre fabricar un cocotero atómico para viajar al futuro; secuestrar a doscientas vírgenes malabaristas y montar un circo lésbico; o montar un estudio creativo. Hicimos lo más complicado.

TRIMONO funciona como un retiro emocional, dónde dar rienda suelta a lo que nos apetece hacer, con el estilo y temática que nos dé la gana. Se le podría llamar “laboratorio de ideas”, pero a los monos nos dan pánico los laboratorios.

-El posicionamiento de marca es algo que no pretendemos forzar, simplemente tratamos de hacer lo que nos gusta y que vaya encontrando su sitio por sí mismo. Por nuestra parte lo único que intentamos es dar visibilidad a nuestros proyectos; Y de momento estamos cumpliendo objetivos en ese aspecto.

Rollo presentación, quienes sois y como comenzasteis

HeM: ¿Sois freelances? ¿Cuánto tiempo lleváis en esto del freelanceo? ¿De dónde venís: diseño gráfico, audiovisuales, artes…? ¿Cuándo surgió la idea de hacer Trimono?

TRIMONO: Nacimos freelances…. De hecho somos el fruto de un bug del internet primigenio, del cual aún puedes escuchar su eco si pegas el oído al router.

-Nos conocimos hace unos años a raíz de un proyecto para Cartoon Network (Halloween 2008, que acaba de ganar un PromaxBDA de oro en Lisboa 2010, en la categoría de Best Animation Promo). Nos caímos mal; así que decidimos trabajar juntos.

Paulo viene del norte, siempre va descalzo y come con las manos.

Maroto viene de San Cristóbal de Los Ángeles, donde creció rodeado de pequeños delincuentes que le enseñaron todo lo necesario para sobrevivir en los túneles del metro. Actualmente vive en Los Ángeles (pero de California, no de San Cristóbal).

Abel viene de una rama familiar de postproductores atávicos. Su única función es que la sociedad no descubra que su trabajo consiste en pulsar un botón.

-La idea de hacer TRIMONO viene de la desesperación. Las ondas gamma de los gigabites combinadas con la soledad y la pizza estaban acabando con nosotros. Habíamos llegado a olvidar el significado de la palabra “higiene corporal” (echábamos de menos una mano amiga desparasitándote la espalda). Así que empezamos por compartir una jaula en el centro de Madrid y empezamos a trabajar juntos para crear piezas audiovisuales (los días de diario), y para destruir el mundo (los fines de semana).

De momento hemos presentado “3 Monkeys” y hemos acelerado bastante el calentamiento global (no te diremos cómo).

Temas de networking grupos y colectivos, flujos de trabajo…

HeM: Ésta pretende ser una columna de encuentro entre freelances, un sitio donde pillar ideas para funcionar de manera eficaz. ¿Podríais hablar un poco de los flujos de trabajo? ¿Cómo os repartís el trabajo? ¿Sois cada uno especialista en un ámbito o entre todos hacéis de todo? ¿Utilizáis herramientas como google wave, dropbox, skype etc.?

TRIMONO: Esto funciona así: uno de los tres viene con una idea, los otros dos se ponen en contra e inmediatamente le despiden. Al rato se dan cuenta de que era una idea genial y lo readmiten. Nos ponemos a escribir un guión. Según terminamos lo destruimos y nos despedimos mutuamente. Finalmente alguno de los tres dice algo y todo empieza de nuevo. Escribir y despedir; escribir y despedir; escribir y despedir… Lo llamamos “proceso creativo intelectualizado empanadilla no tienes pelo”.

Ejercemos de directores de arte y nos subimos el sueldo constantemente. En todas las áreas del proceso creativo tenemos voz y voto los tres.  Eso es importante ya que nos hace más fuertes y menos autocomplacientes con nosotros mismos.

-La producción, que es el realmente el 70% del tiempo de creación lo organizamos en un calendario irreal que incumplimos religiosamente.

-Maroto y Paulo cargan sobre sus espaldas el trabajo de hacer dibujitos, diseños, backgrounds, animación…, y Abel se encarga más de la parte de diseño gráfico, montaje, post-producción, 3D y audio. Aparte, nos apoyamos en colaboradores que mejoren la calidad del producto. En el caso de “3 Monkeys” contamos con la ayuda de Alberto Sánchez en la animación (uno de los padres del estilo Pocoyó), que es compañero y amigo desde hace muuuucho tiempo.

-En cuanto a las comunicaciones, usamos dropbox y skipe como herramientas básicas, más un intrincado sistema de yogures conectados secretamente con hilos. No usamos google wave, preferimos el story sobre la pared y vernos casi todos los días.

Tema legal, rentabilidad y otros temas escabrosos.

HeM: ¿Autónomo o S.L.? La pregunta clave de esta sección, apostáis por un modelo de empresa convencional o intentáis seguir como autónomos…. Háblanos un poco de esto.

TRIMONO: TRIMONO es autónomo. Creemos que la necesidad de convertir TRIMONO en empresa surgiría si ganáramos una cantidad obscena de euros, pero es ese caso hemos pensado en reemplazarnos por fotos en cartones pluma.

Un curro, una evolución de lo que haceis…

HeM: Para cerrar, si os apetece enseñarnos uno de vuestros trabajos, que os haya gustado y un poco hablar de él, si tienes alguna petición o estas buscando algún perfil especifico con el que colaborar etc.… este es vuestro momentazo

Muchísimas gracias, un gustazo chicos!

TRIMONO: “3 Monkeys” es la pieza con la que abrimos es el estudio. Escogimos una historia idiota porque carecemos de sentido común. Decidimos que usaríamos camisas hawyanas porque somos elegantes. Metimos a Elvis en la historia porque Él nos lo pidió. La combinación de los elementos apropiados es la clave del éxito.

Os presentamos “3 Monkeys“, y en breve os contaremos más acerca de nuestros siguientes pasos.

http://www.trimono.tv

http://www.paulomosca.com

http://www.tricefalo.com

http://www.bambinomonkey.com

What’s on es una columna de encuentro entre freelances, es un sitio para buscar perfiles, trabajos, hablar de nuestras experiencias y el personal branding en el mundo del Motion Graphics.

Marca personal

HeM: Como podemos leer en tu pagina web, estas en Bogotá – Colombia, eres freelance y desarrollas encargos de Motion, haces tutoriales y compartes presets… en resumen, tienes muy cuidada tu Marca personal, es casi uno de los pilares para vender tu trabajo. Háblanos un poco al respecto, ¿te representa mucho tiempo cuidar la marca? ¿Se traduce en ingresos?

Carlo Pico: Primero que todo no me veo como una Marca, más bien trabajo para Marcas. Inerxia vendría siendo la marca de un sitio web en donde pretendo compartir recursos y experiencias en torno a mi trabajo.

En cuanto al tiempo invertido en la web te cuento que el primer tutorial es de Julio de 2007 y a lo largo de estos casi tres años he tenido periodos en donde publico artículos con más o menos frecuencia, todo depende de si estoy muy ocupado trabajando o de si encuentro una técnica o cualquier cosa interesante para compartir.

Y sobre los ingresos definitivamente no tiene que ver lo uno con lo otro, de hecho me cansé de cotizar trabajos por internet y prefiero tener un contacto cara a cara con los posibles clientes o contactos de trabajo.

Rollo presentación, ¿quién eres y como comenzaste?

HeM: Háblanos un poco acerca de los inicios, los primeros pasos que llevaron a Inerxia a ser lo que es hoy en día. ¿Porque te decidiste a ser autónomo? ha sido fácil/difícil…

Carlo Pico: Hace unos años mientras trabajaba en canales de televisión local, muchos compañeros de trabajo, generalmente editores de video, me pedían que les enseñara a utilizar los programas con los que yo trabajaba. En verdad no me interesaba hacerlo pero hasta ese momento había aprendido tanto de ellos que decidí devolver el favor y abrir el blog con tutoriales que consideraba les serían útiles.

Hoy día entre 500 y 1000 personas visitan el blog diariamente, 2300 están suscritas a la lista de correo, hay 500 usuarios en el foro y muchos otros seguidores en redes sociales, la mayoría de ellos estudiantes y trabajadores independientes.

Desde hace un par de años he tenido muchos deseos de ser autónomo, no solo por la parte financiera sino por el control creativo. Lo más sencillo en este negocio es ser empleado en un canal, agencia o empresa y eso está bien por el aprendizaje que uno adquiere a través de los compañeros y la dinámica de trabajo en grupo, pero después de un tiempo uno se agota y quiere irse a su casa a trabajar con su computador y hablar directamente con el cliente.

Temas de Networking grupos y colectivos…

HeM: Solemos tocar temas clave para los autónomos y pequeños estudios que empiezan, What’s on es una columna donde pillar ideas para funcionar de manera eficaz. ¿Trabajas con otros freelances en Bogotá? ¿En otros países a través de internet? ¿Cómo es vuestra comunicación? ¿Podrías hablar un poco de tus flujos de trabajo?

Carlo Pico: En trabajo freelance me ha ayudado un par de veces Efraín Tarriba (apragma.com) haciendo composición y he realizado proyectos con Laura Ramírez, ella es Video Jockey y productora de eventos.

Considero que el flujo de trabajo varía dependiendo de qué tanta claridad tenga el cliente sobre el producto final, por esto muestro primero referencias de otros trabajos para tener idea sobre que línea se busca. Luego empiezo a trabajar en Photoshop bocetos de la composición final y una vez aprobados se animan en After Effects.

En cuanto a Networking hace poco pude realizar el logo y una animación de un proyecto para la empresa Wirel (wirel.com.ar) en Argentina. Ellos me contactaron y me ofrecieron un intercambio: yo realizaba el logo y la animación para un nuevo videoblog llamado “Rocksario” a cambio de CSS para el foro de Inerxia:

Tema legal, rentabilidad y otros temas escabrosos.

HeM: ¿Autónomo o S.L.? La pregunta clave de esta sección, apuestas por un modelo de empresa convencional o eres autónomo…. Háblanos un poco de esto.

Carlo Pico: Autónomo, no tengo el mínimo interés en formar una empresa para ser mi propio empleado.

Un curro, una evolución de lo que haces…

HeM: Para cerrar, si te apetece enseñarnos uno de tus trabajos, que te haya gustado y un poco hablar de él, si tienes alguna petición o estas buscando algún perfil especifico con el que colaborar etc.… este es tu momentazo

¡Muchísimas gracias, un gustazo!

Carlo Pico: Hace unas semanas termine la animación, vfx y composición de un cortometraje llamado Mocos. Fue un proceso de tres meses en el que tuve que animar personajes en recortes hechos en acuarela, animación tradicional cuadro a cuadro, fondos realizados en digital y un par de renders en 3D. La animación dura un poco más de 8 minutos y quedé muy satisfecho con el trabajo final. Por ahora solo puedes ver estas imágenes:

…

aparte de la última pregunta donde es bueno que del trabajo que nos hables podamos ver un ejemplo del mismo (un link de vimeo) también es bueno que me mandes un par mas de videos con los que te identifiques y de los que estés orgulloso, para meterlo en la entrevista.

Estos dos me gustan mucho:

María Arteaga nació en Bogotá (Colombia) el 23 de marzo de 1978. A los cinco años ganó su primer premio en un concurso de dibujo infantil. A los siete años acompañaba a su madre a clases nocturnas de dibujo artístico donde experimentó sus primeras bases de figura humana, en la misma Universidad Nacional de Colombia en la que después hizo su carrera de Diseño Gráfico. A lo largo de su educación escolar se distraía haciendo dibujos en los cuadernos. Durante la carrera, mientras aprendía los conceptos de color, composición, algunas bases teóricas y prácticas de la animación, trabajaba como caricaturista en las ferias del libro como ilustradora y diseñadora de impresos. Su proyecto de grado en 2001 consistió en una versión animada de un cuento de Gabriel García Márquez que recibió una mención honorífica. Antes de terminar la carrera comenzó a trabajar en una productora de televisión como dibujante de la serie animada “Simplemente Rita” de 30 capítulos donde estuvo cerca de dos años; este trabajo fue toda una escuela que la impulsó a desarrollar sus propios proyectos como Directora de Animación, y a fundar su productora de animación, IMPALA.

María Arteaga ha trabajado de manera independiente en otros proyectos para televisión nacional como el diseño de imagen, el cabezote y los insertos animados del magazín documental “Banderas en Marte”; comerciales y filminutos para televisión nacional; cabezotes de productoras como Pampa Suite y Yo Reinaré Producciones. TELESET la contrató en tres temporadas del programa FACTOR X para la realización de los videos en las pantallas del set para la presentación de los artistas, las cortinillas con caricaturas de los participantes, animación de finalistas y loops animados.

En el año 2005 el Ministerio de Cultura, por medio del Fondo de Desarrollo Cinematográfico FDC otorgó mediante concurso, una beca en la categoría de Cortometraje animado para la realización del proyecto Corte Eléctrico cuyo guión, diseño de personajes y animatic fueron idea original de María Arteaga.

Con una trayectoria de este tipo, me parecío muy importante que María Arteaga nos transmitiera su experiencia a través de su corto animado Corte Eléctrico y por supuesto decidí entrevistarla, a lo cual ella accedió con la mejor actitud.

María cuéntanos ¿cómo fue el proceso desde la conceptualización hasta la materialización de Corte Eléctrico?.
Un dia trabajando con un amigo bajo por la ventana del cuarto bajó un limpiavidrios y dije – qué habrá visto en el cuarto de arriba y en el cuarto de abajo – pensé que podía ser un buen hilo conductor de una historia donde se pueden descubrir las acciones privadas de la gente de un edificio. También la imagen de los maniquís que son como el humano arquetípico con facciones perfectas, una belleza sin vida y vacía por dentro – me genera sentimientos encontrados – y el desarrollo de la historia en un lugar familiar para mi como Chapinero, uno de los primeros barrios modernos de Bogotá, ahora lleno de comercio informal y edificios cargados de historias densas y ocultas que puede dar un toque bizarro a la historia de Corte Eléctrico.

Después de estar definido un guión y realizada la primera versión de Story Board y animatik me contacté con Roboto, una empresa de animación de ex-compañeros de Diseño Gráfico de la Universidad Nacional muy talentosos con los cuales hicimos coproducción, terminamos de diseñar los personajes y definir el estilo del cortometraje, diseñamos el proyecto con mi productora Lina Ruíz y nos presentamos a la beca del Fondo para el Desarrollo Cinematográfico en el 2005, al ganarla contactamos al resto del equipo y diseñamos un plan de acción.

¿Cuántas personas hicieron parte del equipo para la producción de Corte Eléctrico?.
15 personas participaron con intensidad sólo en la producción de animación, 43 personas en total participan de muchas maneras incluyendo músicos, actores, locutores, producción, sonido y pequeños aportes en animación.

Yo sé que esta pregunta te la debe hacer más de un creativo y animador colombiano, ¿cómo hiciste para ganar la beca del Fondo para el Desarrollo Cinematográfico en el 2005, con la cual realizaste la producción independiente más grande que has hecho hasta el momento?.

Cuando nos presentamos al FDC ya habíamos trabajado en el guión y diseño un poco menos de un año, íbamos desarrollando la idea en los tiempos libres con mi co-guionista Iván Robles. Cuando nos presentamos teníamos un Story board y un animatik con maqueta de sonido bastante completa, el plan financiero también estaba bastante desarrollado a este punto se tenía una preproduccion bien desarrollada.

Qué cosas importantes han pasado con este proyecto?

Corte Eléctrico fue invitado a varias muestras en festivales internacionales de animación en países como Francia, Croacia, Seoul, Brasil, Alemania, Madrid, Ecuador. Tuve la oportunidad de viajar a Seul y Annecy, en donde conocí la movida de la animación a nivel internacional, comprobando que podemos llegar a un nivel competitivo y hablar de otra manera de Colombia, mostrar una nueva faceta. En Colombia recibimos dos premios, en 2008 en el festival de LOOP de animación y en 2009 el PLA en la categoría de animación digital.
Reconocimientos de Corte Eléctrico:

• “Primer Lugar” categoría animación digital.
• PLA Premios Lápiz de Acero- Mayo 2009.
• “Primer Lugar” categoría mayor de 8 min.
• LOOP Concurso Latinoamericano de Animación y Videojuegos – Septiembre 2008.
• “Competition” KLIK! Amsterdam Animation Festival – Septimebre 2008.
• “Competition” WIESBADEN 10th Wiesbaden International Weekend of Animation – octubre 2008.
• “Something different” SICAF 12th Seoul International Cartoon & Animation Festival – Mayo 2008.
• “Official Selection” ANNECY Festival International du Film Dánimation – Junio 2008.
• “Official Selection” ANIMAFEST 18th Zagreb World Festival of animated film – Junio 2008.
• “Sección Panorama” ANIMAMUNDI International Animation Festival of Brazil – Julio 2008.

Muestras:

• ANIMEC 1er Festival de Animación Ecuador – Octubre 2008.
• III Muestra de Cine Colombiano en Barcelona.

Cuéntanos algunas anécdotas en la elaboración de Corte Eléctrico.
La falta de presupuesto para realizar este proyecto hizo que tomara más tiempo del necesario – 2 años y medio- ya que que todo el equipo tuvo que trabajar en su tiempo libre, aunque esos tiempos muertos de producción sirvieron para desarrollar muy bien los retos de animación y aclarar los problemas de conceptualización.

(Trailer o video de Corte Eléctrico) http://www.corteelectrico.com/

Marca personal

HeM: Meideistudio comenzó el 2007 como un estudio de producción grafica, desde grabación hasta la postproduccion. Pero no es hasta diciembre que comenzasteis a posicionaros en internet como una empresa que usa las redes sociales como parte de vuestra estrategia de comunicación. Háblanos un poco acerca de ello.

Meideistudio: La verdad es que estábamos viendo con que rapidez estaban funcionando las redes, nos habíamos abierto desde hacía tiempo cuenta en Facebook, pero hasta octubre del año pasado no le habíamos encontrado el punto “comercial” que tenía. Nos pusimos manos a la obra, y el cambio ha sido radical, unas 2000 visitas en cuatro meses a la web era para nosotros impensable, la grafica evolutiva de nuestras acciones en google analitycs hablan por sí solas. Creo sinceramente que para un estudio como el nuestro, es una buena oportunidad de promocionarnos y motiva mucho el saber que se multiplica el impacto de lo que colgamos en la red, además nos sirve de paso para aprender y experimentar este nuevo idioma que son las redes sociales. Por otro lado al estar en Canarias, parece que se acortan las distancias respecto a la península donde tenemos puestos algunos de nuestros objetivos y donde queremos seguir moviendo nuestro trabajo.

Rollo presentación, quienes sois y como comenzasteis

HeM: Háblanos un poco acerca de los inicios, los primeros pasos que llevaron a Meideistudio a ser lo que sois hoy en día. Cuáles son los perfiles del equipo, etc.

Meideistudio: Comencé haciendo dos cursos 3D y Diseño Gráfico, recopilando lo mejor de los cursos que me tomé muy en serio, preparé un Dvd para un canal de Televisión y tuve suerte, de esto hace ya 5 años, el motion prácticamente estaba empezando, y montamos un proyecto junto a Yuri Sánchez llamado Dostudio fuimos de los primeros en hacer motion aquí, aunque el tema no cuajó bien y seguí trabajando con varias productoras dos años, llevando la dirección creativa y prácticamente tocando todos los palos de la producción de spots, aunque el motion graphics era lo que me apasionaba. Vi un nicho interesante de mercado y aposté por montarme por mi cuenta. Estaba un poco obsesionado con traer tendencias de fuera a mis producciones.

La verdad es que tuve unos comienzos difíciles de muchas horas y poco dinero para hacerme un portafolio decente, lo bueno es que dentro del precio dejaban libertad para conseguir al menos segundos decentes para una reel que sirviera de escalera a clientes más potentes, hemos sufrido mucho para vivir del motion aquí. Actualmente somos cuatro personas en el estudio, yo en la dirección creativa, realización y motion graphics, Yeray Rodríguez en la creación 3D, Efren Macías 3D/motion graphics y la reciente incorporación de Jose Mendoza que nos lleva la dirección de arte.

Temas de networking grupos y colectivos, DDC…

HeM: Como sabes, solemos tocar temas clave para los autónomos y pequeños estudios que empiezan, un sitio donde pillar ideas para funcionar de manera eficaz. ¿Trabajáis con otros freelances en canarias o en península? ¿Cómo es vuestra comunicación? ¿Podríais hablar un poco de los flujos de trabajo? háblanos del proyecto que habéis emprendido: DDC, lleváis dos eventos, ¿cómo ha sido la experiencia?

Meideistudio: La inspiración cuando empezamos era xplsv.tv y motionographer.com hoy en día hay tanto donde inspirarse que la verdad me cuesta recomendar, recuerdo que el impacto de las cosas de www.renascent.nl, Umeric o Psyop todavía me dura. Hoy hay que saber filtrar bien tanta información y saber canalizarla para que no caer en repeticiones de realización o estéticas. Cada vez me pasa más lo de “que buena idea” y a los dos días vez algo parecido, por lo que es bueno no repetir fuentes para inspirarte.
Diario de un diseño colaborativo, fue un proyecto que se me ocurrió al ver el blog de Nick Vegas, greyscalegorilla.com, me gustó el enfoque que le dio a sus acciones y me parecía interesante hacer algo parecido en habla hispana, como siempre el tiempo libre es el gran problema de este tipo de cosas, porque es un proyecto que va evolucionando y que da muchas posibilidades, además es una buena oportunidad de los invitados para mover su trabajo.

Tema legal, rentabilidad y otros temas escabrosos.

HeM: ¿Autónomo o S.L.? La pregunta clave de esta sección, apostáis por un modelo de empresa convencional o sois autónomos….

Meideistudio: Actualmente tenemos un modelo autónomo, pero antes de final de año queremos montar una S.L. más bien por razones de subvenciones y demás que hasta ahora no nos han hecho falta, pero nos pueden ayudar en su momento, hay que esperar el momento justo para que no sea contraproducente. El modelo autónomo, para un estudio pequeño, es una posibilidad que ahora con internet puede ser eficiente al cien por cien, bueno mucha gente está funcionando así, aunque deberían de mejorar las condiciones que tenemos.

En un estudio como el nuestro cada paso que damos es definitivo, los clientes que cogemos y en lo que invertimos, por lo que tenemos que hilar fino para no perder clientes por una mala gestión de la agenda, “más vale dos contentos que cinco que no repitan“, por lo que el tema del crecimiento lo llevamos con mucho cuidado.

Un trabajo, un proyecto… una evolución de lo que haceis…

HeM: Para cerrar, si os apetece enseñarnos uno de vuestros trabajos, que os haya gustado y un poco hablar de él, si tienes alguna petición o estas buscando algún perfil especifico con el que colaborar etc.… este es vuestro momentazo

Meideistudio: Como trabajo nos quedamos con Libbys “tú sí que sabes”, porque nos dejaron tiempo para trabajar y el proceso fue muy duro.
Pusimos todo de nuestra parte para acabarlo y éramos prácticamente dos personas, además nos ha servido para convencer a futuros clientes de lo que podemos hacer. Fue bastante tedioso, porque era mezclar rodaje, rotoscopia, 2D, 3D y 2,5 en el mismo proyecto, por lo que tuvimos que planificar todo muy bien y la verdad es que a día de hoy lo podríamos mejorar mucho, será que estamos creciendo?, jeje. Les dejo el spot y su making. Por otro lado la cabecera de “Las iniciativas”, por el tiempo que tuvimos nos parece que lo ejecutamos bien.

Nuestro objetivo que alguna agencia potente que nos dé un proyecto interesante a ser posible Live action y con tiempo (no pedimos mucho), si es para Mtv pues mejor, jaja. Con seguir viviendo de lo que hacemos nos conformamos.
Necesitamos freelance especialistas en concept art para motion, aunque nunca está de más tenerlo de otra rama, así que todo aquel que quiera que mande su portafolio a info@meideistudio.com
Muchísimas gracias y ánimo a todos, por cierto visita obligada al estudio a todos los que vengan a veranear por Canarias.

Hoy quiero presentar a Adriana Sánchez, artista visual de la Universidad Javeriana con énfasis audiovisual, quien trabajó para EnPánico, empresa bogotana especializada en stop motion; participó en el equipo de arte del corto animado de Diana Sánchez “Mariposa Nocturna”, el cual fue ganador de un estímulo de la Cinemateca Distrital 2007, y que en el último año ha ganado varios premios como el 2° lugar en Animación en la competencia Internacional del IV Festival Internacional de Cortometrajes de Cusco 2009; mejor Animación Experimental y mejor animación Stop Motion en el 5° Festival Latinoamericano de Animación y Videojuegos LOOP 2009; ha trabajado en varios proyectos comerciales para clientes como Fruco y la Cruz Roja Colombiana; también ha trabajado independiente prestando sus servicios de animación a diferentes agencias y productoras, como Imaginaria Films para un comercial de Alpina.

Después de haber visto en Creativos Colombianos el proyecto animado de Adriana titulado “Bri Bri Bri”, decidí conocerlos desde las entrañas y le pregunte ¿cómo había sido el proceso de conceptualización y desarrollo de Bri Bri Bri?, a lo cual ella respondió sin ningún reparo:

Bueno, pues como en todo audiovisual lo primero que hay que pensar es ¿qué es lo que quiero decir? y ¿qué le quiero contar al espectador?. En ese momento varias experiencias personales me llevaron a interesarme mucho en el lenguaje corporal, en esos miedos que de pronto uno no quiere que el resto del mundo perciba, pero que finalmente son super evidentes gracias a nuestro cuerpo. En ese punto ya tenía algo de lo que quería hablar, entonces empecé un proceso de mucha investigación, de leer mucho, ver muchas películas, observar a la gente. Ahí uno se vuelve muy receptivo y empieza a ver por todas partes anécdotas y actitudes que pueden enriquecer la creación. Durante esa investigación descubrí que las personas que sufren de fobia social tienen un lenguaje corporal super característico, que es como de encerrarse en su propio cuerpo, y una vez tuve este elemento me di cuenta que ya tenía un personaje, fue entonces cuando volqué toda mi investigación hacia la psicología y hacia blogs de personas con este tipo de trastornos, a punta de anécdotas fui creando el guión de Bri Bri Bri, un proceso largo pero como era la base de todo pues tocaba darle el tiempo suficiente.

Una vez estuve contenta con el guión empecé a hace bocetos de los personajes y de los espacios, también empecé a probar con materiales para hacer los muñecos, pues aunque yo ya había hecho cosas en stop motion, estos habían sido proyectos pequeños pero nunca había hecho algo tan ambicioso. Este proceso fue largo y también un poco frustrante, porque yo hacía y hacía pruebas y los muñecos siempre se rompían o de alguna forma no funcionaban. Buscaba tutoriales, buscaba ayuda de personas que ya lo habían hecho, probaba y no obtenía nunca lo que quería, hasta que finalmente ya tenía la presión del tiempo porque yo estaba pagando un semestre en la universidad para poder entregar la tesis, entonces no podía extenderme mucho más. Trabajé con muñecos y con maquetas, que ahora que ya tengo un poco más de experiencia sé que no eran los más adecuados para trabajar en stop motion y eso me causó muchísimos inconvenientes durante la captura de las fotos cuadro a cuadro, porque yo estaba en la mitad de un plano, y el muñeco se caía o se rompía o la maqueta se movía y eso afectaba completamente el ritmo, el movimiento y ahí la única opción – si quería que se viera bien- , era repetir el plano otra vez desde el comienzo y eso significaba perder el trabajo de varios días.

La captura de la animación también fue un proceso muy largo y de una disciplina total, de trabajar mínimo 15 horas diarias sin fines de semana y durante varios meses encerrada en un cuarto oscuro donde la única luz era la del montaje fotográfico, entonces fueron meses de no ver el sol. En general es un proceso en el que el todo es disciplina, paciencia y pasión porque realmente es difícil y un poco agotador. Hacia el final de ésta etapa conocí a un personaje que ya trabajaba en stop motion y que me enseñó un software especializado para este tipo de animación, que me deja ver en una línea de tiempo los cuadros ya capturados y el cuadro “vivo”, y así se tiene total control sobre la fluidez y el ritmo del movimiento, cuando empecé a usarlo me di cuenta que tenerlo desde el comienzo me habría ahorrado mucho tiempo.

Después de esto siguió el proceso de la post producción, la edición la hice en mi casa, con mis equipos. Aunque yo ya tenía claro el orden de la historia durante el montaje este cambió para que se entendiera mejor. Había también algunos cromas para componer con los cuales me ayudó una gran amiga, y había muchos alambres e hilos para borrar, y como yo no quería que la animación se viera toda “nerviosita” tuve que estabilizar el encuadre, el color y la luz que suelen variar cuadro a cuadro y esto me llevo un buen tiempo. Finalmente trabajé con dos músicos de la Javeriana, uno me ayudó con la música y otro haciendo el sonido. Después de 2 años llenos de cosas buenas y malas por fin terminé Bri Bri Bri, con la satisfacción de ver que al final hubo un buen resultado y que todo esfuerzo valió la pena.

Adriana me empezó a contar una infinidad de detalles sobre su proyecto y sin darme cuenta me sumergí en la conversación, fue ahí cuando le dije que siendo un trabajo tan extenso y de gran exigencia, ¿cuántas personas habían participado en la producción de Bri Bri Bri?.

Bueno, pues en esto estuve prácticamente sola, quise hacerlo así porque al momento de terminar mi carrera estaba un poco confundida sobre si quería dedicarme laboralmente al campo del arte y la plástica para audiovisual, o si quería dedicarme a la animación y pensé que al hacer la tesis sola podría descubrir cual de los dos campos era el que prefería. De todas formas quería contar con algunas personas que me ayudaran, pero en eso el factor económico fue bien decisivo porque yo no tenía con que pagar y las personas por más amigas que sean no van a trabajar gratis durante un proceso tan largo. Ocasionalmente me ayudaron amigos, pero cuando todo se fue haciendo tan demorado empezaron a irse. Afortunadamente los papás siempre están, y ellos fueron mi equipo de arte y me ayudaron sobre todo a hacer las maquetas, entre muchas otras cosas.

Creo que hacerlo sola ha sido de las experiencias mas enriquecedoras que he tenido, aprendí cantidades y es una satisfacción inmensa ver ahorita Bri Bri Bri y saber que yo sola logré eso. Pero sin duda, la lección mas importante fue entender que enfrentarse solo a cualquier proyecto es una locura. Hacerlo sola me hizo una guerrera porque tuve que batallar bastante y no tuve nadie en quien recostarme, seguro era algo que tenía que hacer alguna vez, pero ahora que ya lo he hecho se que el proyecto, la historia y la animación habría salido mucho mejor si hubiera contado con alguien que corrigiera mis errores y que me relevara cuando me sentía cansada y mis capacidades anímicas y físicas ya no estaban para rendir al 100%.

Afrontar un proyecto de este tipo no es una tarea nada fácil, pero seguro que después de muchas horas de trabajo, al final se ven los frutos de meses de sacrificio ¿Qué cosas importantes han pasado con Bri Bri Bri?

Después de este proyecto terminé muy cansada, agotada hasta emocionalmente y tenía con él una relación de amor y odio super intensa, así que cuando lo terminé me di el permiso de olvidarme de él por un tiempo, que sin duda ha sido el peor error que he cometido porque dejé de mandarlo a muchos festivales y a muchos convocatorias que finalmente son las mejores ventanas para mostrar el trabajo. En el 2008 estuvo en la selección oficial de Loop y lo mandé a un par de festivales por fuera de Colombia. Ahora ya han pasado 2 años desde que lo terminé, ya no hay amor ni odio, estoy con unas ganas inmensas de mostrárselo al mundo. Hay muchos festivales en los que ya no lo aceptan por la fecha de realización, pero yo sigo buscando y donde lo acepten yo de una lo mando. Perdí en cierta medida la opción de mostrarlo en festivales pero finalmente a mí lo que me interesa es que la gente lo vea, así que lo monté en Internet donde ha tenido mucha acogida y he recibido muy buenos comentarios. Es muy emocionante ver que gente que uno ni conoce se toma el tiempo para escribir que le gustó.

Adriana y en este proceso se trabajo mucho, se exploró bastatnte y se aprendió por montones. Cuénteme algunas anécdotas en la elaboración de Bri Bri Bri.

Bien hay varias, pero la que todavía me da risa por mi ingenuidad e inexperiencia del momento es que tenía en un comienzo 8 personajes, 5 espacios diferentes, ¡era una locura! Si con 4 personajes y 3 espacios me demoré dos años, con 8 personajes no iría aún ni en la mitad de la animación. Afortunadamente me asesoró en ese momento un animador con gran recorrido y me hizo caer en cuenta de la locura que estaba a punto de cometer.

Hubo también otra que me aterrorizó, pero que tuvo final feliz. Ya tenía todo el material listo, solo faltaba el render final, pero para poder hacerlo necesitaba más espacio en el disco porque tenía menos de 1 Gb libre y eso no me alcanzaba. Yo sabía que todo lo que estaba en mi computador ya tenía backup, así que empecé a mandar todo a la papelera de reciclaje y depronto me salió ese letrero que dice que lo que quería borrar era demasiado grande y que si quería borrarlo definitivamente, yo sin pensar le dije que sí, pero cuando caí en cuenta aparte del proyecto no tenía en ese momento nada en el computador que fuera tan pesado, le di cancelar inmediatamente, pero ya el daño estaba hecho y ya había borrado permanentemente más de la mitad del proyecto y de eso si no tenía backup. Afortunadamente me di cuenta “a tiempo”, no moví nada, y por ahí hay programas que ayudan a recuperar información aún cuando se ha borrado permanentemente. No perdí nada, pero creo que es el peor susto que he tenido en mi vida. Obviamente aprendí la lección de las copias de seguridad de por vida.

Cuando el tiempo pasa la percepción que uno tiene de las cosas en ocasiones cambia, ¿que le gusta y que ya no le gusta de Bri Bri Bri?.

Lo que más me gusta es su estética. Me gusta que se aprovecha de que todo en realidad existe, todo es material y todo tiene mucha textura que hace que los espacios se vean como espacios y objetos vividos, las paredes tienen humedad, el piso está sucio, las fachadas de las casas tienen huecos, rasguños. Creo que le da mucha personalidad y que esos pequeños detalles son los que lo diferencian de otras propuestas parecidas. En general me gusta toda la atmósfera creada a partir de los objetos, la textura, la fotografía y el color.

Lo que no me gusta tanto es la narración. Creo que le faltan algunos planos para que la historia sea más contundente y para que se entienda mejor.

Adriana se toma su tiempo y le da un consejo a los creativos que desean incurrir en el campo de la animación.

Lo primero es que piensen si la animación realmente les apasiona, si la respuesta es no, entonces es mejor que busquen otra cosa que hacer porque ese es el requisito indispensable. Animar, sea en la técnica que sea, análogo o digital, es una labor que requiere compromiso, dedicación, paciencia y mucho sacrificio que sólo puede sobrellevar una persona que sienta esa pasión.

Si la respuesta es si, entonces hay que estudiar mucho. Actualmente hay muchas personas que creen que por manejar un software ya son animadores y eso es mentira. Una persona que sepa animar puede aprender el software o hacer animación análoga y su trabajo va a ser bueno, pero no todas las personas que manejan el software van a sacar buenas animaciones. En la red hay infinidad de páginas, libros, tutoriales, escuelas y todos esos recursos hay que exprimirlos al máximo, estudiarlos, entenderlos y practicarlos. El campo de la animación es ahorita muy competido porque hay mucha gente animando, pero seguro los más comprometidos, los que estudian son los que van a lograr el éxito y los que van a salir a animar a grandes estudios o los que van a crear acá un gran estudio.

Ver Bri bri bri:

Para conocer en detalle el trabajo de Adriana: su perfil en Creativos Colombianos.

Puede leerse en el web site de Carlos Cortés.

La primera vez que un latinoamericano gana en alguna de las categorías del concurso de cortometrajes “Star Wars Fan Movie Challenge”, organizado por Lucasfilm en asocio con el portal de videos Atom Films.

Oscar Triana, diseñador gráfico colombiano y especialista en animación, a quien conocí a través de Creativos Colmbianos, nos cuenta un poco sobre su cortometraje animado Star Wars in a Notebook, el cual fue ganador en la categoria Best Animated Film.

Anualmente Lucasfilm, la misma productora de las películas, en asocio con el portal de videos Atom Films, organiza el concurso de cortometrajes “Star Wars Fan Movie Challenge”. Este evento se anuncia en las páginas oficiales en los meses de marzo y abril de cada año, el cual está abierto a aficionados y profesionales de todo el mundo. En 8 ediciones el tema siempre ha sido el mismo, Star Wars en corto y preferiblemente comedia, pero lo que se estimula o al menos esa fue mi apuesta, es por dar un punto de vista particular usando como pretexto ese universo. Pueden existir ideas similares, pero el tratamiento que cada autor da las hace únicas.

Usando la “filosofía del niño”, la producción no tuvo nada de “espectacular” o ambicioso, la idea era usar al máximo los recursos disponibles en casa, adaptarlos para recrear la película, para jugar más bien con esa ingenuidad y sensibilidad que sólo de niño se tiene.

El proyecto desarrollado en mi especialización en 2008, “ImaGeForce”, manejaba la misma temática, los niños y su visión del mundo, contado a través de un grupo de cortos usando el lenguaje de diferentes géneros audiovisuales como las llamadas “space operas”, o el “sentai” japonés. Es algo así como el abuelito de “Star Wars In a Notebook”

El primer paso la realización de Star Wars In a Notebook fue anotar frases con momentos que recordaba de la película, decidí no verla de nuevo para mantener esa frescura y “aleatoriedad” cuando uno recuerda. Para imitar ese modo en el que uno cuenta una película a sus amigos e intentando estimular esa agudeza de niño usé frases directas y con chispa, que posteriormente estarían representadas como recortes a manera de subtitulo.

La gráfica del corto refuerza el concepto original, usando de fondo las hojas de un viejo cuaderno y recreando los personajes como recortes, al mejor estilo de los ejercicios prácticos de la primaria, usando texturas y diferentes materiales complementados por el pequeño narrador que “habla” por medio de los textos recortados.

Fueron cerca de 5 semanas de trabajo, relativamente poco al producir animación a ritmo constante, pero sin excesos o trasnochos.

Todo el diseño se realizó con lápiz y papel en mano, pero de ahí en adelante el proceso fue totalmente digital. Todos los elementos se crearon en Photoshop usando como referencia los diseños a lápiz y construyéndolos con material fotográfico como recurso. La creación de los personajes imita lo análogo, tal y como si se hubieran creado realmente en cartón y papel, técnica conocida como “cut-out”, que al animarse forzaba un acabado similar al del “stop-motion.”

El corto cuenta con alrededor de 40 planos, pero se finalizó imitando un plano secuencia, es decir, no hay cortes sino rápidos movimientos de cámara que enlazan todos los planos, que genera la sensación de como si estuviera sobre una misma superficie y construyendo la tensión hasta el clímax, la destrucción de la “Estrella de la Muerte”.

Se crearon cerca de 15 personajes de distinto nivel de complejidad, que van desde 8 hasta más de 40 piezas móviles, además de una decena de naves y algunos otros efectos especiales como explosiones en vídeo.

La herramienta para está labor no es necesariamente la que uno esperaría, After Effects, que generalmente es conocido por ser un software para composición y postproducción.

Una particularidad del concurso es que permite usar la música y lo efectos de sonido originales que aparecen en las películas, eso sí, con ciertos límites en la duración de cada clip, en su cantidad y con algunos requerimientos y disposiciones legales, pero que para una escala como la del cortometraje son aceptables.

El concurso una vez anunciado recibe los vídeos, pero no crea una sección para revisarlos sino que sólo revela los finalistas al terminar el período de selección, así que uno trabaja “a ciegas” en cuanto a los competidores. Cuando se anunciaron los finalistas la única pista para ubicar el origen de mi corto era el inglés no tan correcto y la letra cursiva que al parecer es muy poco popular en los EUA.

Una vez enviado aspiraba a figurar en las categorías de “People Choice”, “George Lucas Selects” y obviamente “Best Animated Film”, pero ya con los finalistas al lado comencé a darme cuenta de la dimensión del concurso. 22 cortos de diversos orígenes, participantes desde los 20 a los 40 y tantos años de edad, profesionales, aficionados, individuos, universidades o grupos, y hasta productoras independientes, quienes usaron toda clase de técnicas y recursos como imagen real, animación 2D y 3D, stop motion. En volumen de reproducciones mi corto “Star Wars in a Notebook” fue el segundo tras el ganador del “People Choice”, la única categoría que se votaba por internet y que tiene en YouTube más de un millón de reproducciones, con director profesional de cine a bordo, que se encuentra en imdb.com, con actores y apoyo de profesionales como Nathan Fillion (Firefly) . Del mismo modo Star Wars in a Notebook es el que posee el mejor promedio con una aprobación del 82%.

En cuanto a la procedencia, no sé si influyó, pero es la primera vez que un latinoamericano gana en alguna de las categorías, pero más que por lo exótico del origen parece ser que a veces creen más en nuestras capacidades afuera, que aquí nosotros mismos.

Visualmente nunca se había visto algo así en el concurso. Ese acabado manual, recursivo y casero llamó mucho la atención y esa “limitación” jugó a favor. La caracterización y rediseño de estos personajes clásicos en un estilo único y personal, la ingenuidad, la ternura que transmitía la historia a los fanáticos y espectadores, tocó esa memoria particular que tienen desde que comenzaron a ser seguidores de esta clase de historias, fue como hablar de niño a niño. Este año los jurados e invitados (que varían de concurso a concurso como las categorías) coincidencialmente tenían que ver con el campo de la animación, Seth Green, de Robot Chicken y Dave Filoni, director supervisor de The Clone Wars, la serie 3D de TV.

Star Wars in a Notebook es de los pocos proyectos que puedo ver de nuevo y decir de verdad, “¡me gusta! – ¡que bien quedó!”. Por ahí ronda la frase de que “las películas nunca se terminan sino que se abandonan…” como toda obra uno siempre quiere mejorar cosas, y uno como artista pocas veces se siente satisfecho, lo que lo impulsa a seguir. En este caso el único “pero” que leí en algunos comentarios fue el texto, ya que los subtítulos son algo difíciles de leer, tanto por el tipo de letra como por la duración en pantalla, además de los saltos de tiempos verbales en la versión en ingles que pudo ser más confuso de la cuenta. Un niño muy seguramente escribiría con mala ortografía o “como suenan” los exóticos nombres.

Hace poco probé con un fuente manuscrita, que es mas legible pero pierde algo de ese “realismo” de cuaderno colombiano amarillento, en un pequeño plano que envié para otro proyecto relacionado con estas películas llamado “Star Wars Uncut“ (http://www.vimeo.com/user2966035/videos ).

Desde mi primer corto a éste último el cambio en cuanto a visual, diseño e identidad es evidente y creo es la culminación de un largo proceso de búsqueda y también de demostrar viabilidad en cuanto a producción. Del mismo modo funciona de punto de partida para buscar nuevos procesos que integren más manos además de las mías, que hagan viable hacer animación en un entorno tan limitado y fragmentado como el nuestro, que tiene mucho para contar pero que a veces no encuentra la manera ni los canales para hacerlo.

Trailer oficial (Inglés).

Versión en Español.

Quien desee profundizar en el trabajo de Oscar Triana puede visitar su perfil en Creativos Colombianos.

Entrevista realizada por Daniel Bedoya para Creativos Colombianos.

Personal Branding

HEM: Introduces tu marca en Google y sale una página entera de resultados que tienen que ver contigo. Aparte de ser un nombre original, supongo que tiene algo que ver que ver que cuidas un montón tu presencia en Internet y es uno de los temas más importantes hoy día. Cómo lo llevas?

Kote Berberecho: Pues sí que es verdad que hoy en día tener una buena presencia en Internet va muy bien. Pero yo no la he cuidado nada, solo con ver mi web te das cuenta que no controlo mucho el mundillo online. La suerte que tengo es que hay muy poca gente que utiliza el nombre de berberecho en la red. Ya sabéis, no pongáis “tetas grandes” de nombre a vuestro estudio si queréis salir en google.

Presentación, quién eres y como comenzaste

HEM: Eres autónomo? Cuanto tiempo llevas en esto del freelanceo? Cómo has conseguido labrarte el perfil de “gamberro grafico” como he leído en algunos artículos tuyos colgados en la red? Por qué supongo que habrás necesitado un perfil de cliente específico que apuesten por una gráfica rompedora y fresca?

Kote Berberecho: Soy autónomo desde hace dos años y medio y vivo para contarlo. Trabajaba en la tele de L’Hospitalet y aunque me lo pasaba muy bien quise probar en solitario como Tino de Parchis, aunque por suerte me ha ido mejor.

El tema del Gamberrismo grafico surgió cuando trabajaba en la tele de L’Hospitalet. Allí la única premisa que nos solían poner era entregar las cosas a tiempo por lo que nos dejaban carta blanca para lo demás. Nos gustaba mucho hacer gags y bromas internas; salir en las caretas disfrazados, colar mensajes en los textos….osea, que hacíamos mucho el gamberro. A parte tenía un grupo de música y un par de amigos con bares. Me tocaba hacer los carteles y flyers. Como no me pagaban intentaba pasármelo bien poniendo cosas graciosas. Con el tiempo parece que a la gente esa “frescura” le gustaba y sorprendentemente ha atraído clientes. Aunque en mis últimos trabajos queda poco de aquello, me estaré haciendo mayor o a los clientes les gusta poco el riesgo.

Temas de networking grupos y colectivos, flujos de trabajo…

HEM: Ésta pretende ser una columna de encuentro entre freelances, un sitio donde pillar ideas para funcionar de manera eficaz. Podrías hablar un poco de tus flujos de trabajo? Por ejemplo en tu xmas trabajaste con un ilustrador, cómo fue vuestra comunicación? Trabajasteis por separado y luego fuisteis juntando trozos, o lo hicisteis online a través de herramientas como wave, skype etc?

Kote Berberecho: Con tantas maneras de comunicarse resulta más fácil trabajar a distancia. Precisamente ahora voy a comenzar a colaborar como director de arte con una nueva agencia de publicidad gallega. Creo que todas estas herramientas han hecho que los autónomos de este sector hayamos notado menos la crisis que los estudios y agencias grandes. Nosotros tenemos más capacidad de adaptación. Lo mismo trabajamos desde casa para el extranjero que llevamos nuestra maquina a algún sitio para trabajar mano a mano.

El tema del xmas surgió de las ganas de hacer algo juntos que teníamos Sergio Mora y yo. Me pase por su estudio y me dio un montón de ilustraciones, luego yo fui haciendo collages, animando y mandándole pruebas por mail, hasta que surgió un guión y lo acabamos de enfilar. Así que la comunicación fue; un rato en su estudio y 139 mails.

HEM: En tu reel 09 podemos ver un abanico de trabajos súper interesantes, algunas marcas grandes y también mucho trabajo desarrollado con otros colaboradores, estás dentro de un estudio de gente que trabaja en lo mismo y os vais pasando trabajos y colaborando en los proyectos de otros? Cómo ves el mercado laboral, es realmente cierto que está cambiando?…  Todo este tema del motion graphics, las animaciones y las presentaciones en video ha hecho que haya más trabajo para diseñadores, estudios, freelance… Si puedes hablar un poco acerca de ello…

Kote Berberecho: Por suerte estoy muy bien rodeado de gente competente con los que colaboro habitualmente y encima son muy buenos amigos. En realidad aunque sea autónomo se puede decir que tengo un estudio. Porque sin quererlo hemos montado una “red-equipo” de diseñadores, realizadores, fotógrafos, ilustradores… y todos trabajamos para todos. Luego dependiendo del proyecto es uno u otro el que lleva la batuta. El futuro sin duda sería montar un estudio en el que trabajaran para mi mientras me tomo una kaipiriña en las Bahamas. Pero como eso es “ciencia ficción” el futuro es consolidar y aumentar esta “red-equipo”.

El mercado ahora mismo lo veo con mucha incertidumbre, sobre todo en la televisión y por defecto en la publicidad. Entre las fusiones y la supresión de publicidad en TVE no se sabe que va a pasar. Por eso ahora no se atreven a dar grandes pasos.

Sí que es verdad que ha aumentado la demanda de motion graphics pero los que la demandan tienen el mismo dinero para hacer 20 cosas de lo que tenían antes para hacer una. De todas formas tendemos mucho a quejarnos de los presupuestos y de los clientes pero la verdad es que esto es mucho mejor que trabajar en la cadena de montaje… con todos los respetos para los que trabajan allí.

Un trabajo, una evolución de lo que haces…

HEM: Para cerrar, si te apetece enseñarnos un trabajo de motion graphics que te haya gustado y un poco hablar de él, si tienes alguna petición o estas buscando algún perfil específico con el que colaborar etc.… este es tu momentazo!!

Kote Berberecho: Cuando mas suelo disfrutar es cuando trabajo en algún proyecto personal. Hace poco tuve un par de meses con poco trabajo y para entretenerme hice dos piezas. Una de resumen de un viaje que hice en verano y la otra con los juguetitos que adornan la mesa de mi estudio. Con esta ultima me divertí muchísimo. Me sirvió también para practicar el tema de Traquear, osea que también aprendí. Además a partir de estas piezas me ha salido trabajo! A mí lo que me gusta es colaborar con gente maja y con ganas. Gente con la que te lo pasas bien trabajando y en un bar.

A continuación la gente con que suelo colaborar:  Requetechunai picturs, Miniature Films, Pedro Rodríguez, Magicomora, Joan Molins, NueveOjos, Pere Ferrer, www.noesloqueparece.net,  SoloideasTV, FlorenciaPMarano, Uncomressed, Arecio Smith, PlayCreatividad… y tambien he tenido la suerte de trabajat para Frankie de Leonardis http://vimeo.com/frankie

Hola de nuevo, desde la semana pasada que colgamos la primera entrevista de “Freaklances”, han ocurrido ya algunas cuantas cosas que podriamos destacar: 1650 fans en Facebook, 21.500 visualizaciones del primer capítulo y apuntito de lanzar a Rosa (el nuevo personaje de la serie) al estrellato.

Os dejamos con unas imagenes de adelanto y por su puesto con la segunda parte de la entrevista, hasta pronto…

HeM: ¿Cuánto tiempo invertís en la producción de cada capítulo? guión, storys, animación, postpro…

Freaklances: Teniendo en cuenta nuestros otros quehaceres laborales, pensamos que un mes de periodicidad nos permitiría dormir alguna noche y dar al producto la calidad que pretendemos … más o menos los tiempos son:

Tres días para la definición del personaje e ilustración, argumento y Guión. Una semana para animación y postproducción del capítulo y la comunicación que no tiene fin, el tiempo que le quieras echar

HeM: Tema legal, rentabilidad y otros temas escabrosos.
Puntos clave en estos tiempos de crisis y de constante evolución con las nuevas tecnologías, supongo que sabéis quién es SGAE, tenéis claro que el tema derechos de autor es costoso, y por eso decidisteis asociar el proyecto a Creative Commons, ¿cómo lo lleváis? de momento ¿ha salido algún sponsor? si sale el proyecto ¿se quedaría con este sistema legal? háblanos un poco de eso…

Freaklances: Como diría ROI, SGAE <Sacamos Ganancias A Espectadores/> ;P

Sí, los conocemos de sobra. Es triste que sean tan protagonistas en la sociedad y que debido a su función de buitres de la cultura, muchos artistas y creadores que pertenecen a esta asociación comiencen a tener mala prensa.

¿Por que pensamos en Creative Commons para distribuir nuestra obra?, porque si la hubiéramos registrado, nos la hubiéramos comido con patatas a no ser que nos hubiéramos puesto el traje y salir a engañar a algún canal con unos números sobrados. La creatividad debe ser compartida y si la obra es buena los ingresos llegarán tarde o temprano, es cuestión de imaginación a la hora de buscar nuevos métodos de negocio.

No sabemos si en un futuro freaklances seguirá siendo Creative Commons, esa es nuestra intención, pero puede llegar un maletín terrible que ablande nuestros corazones y ya no se pueda ver la serie libremente en internet sino en un canal autonómico…

Actualmente no tenemos ningún sponsor que nos apoye, todavía es pronto y la crisis hace que los dineros sean cobardes… Bien es cierto que se han interesado en la serie varias empresas pero no se ha profundizado en nada.

HeM: Para cerrar la entrevista podríamos hablar de cómo veis el mercado laboral, ¿es realmente cierto que está cambiando con lo de la globalización? todo este tema del motion graphics, las animaciones y las presentaciones en video ha hecho que haya más trabajo para diseñadores, estudios, freelance… ¿tenéis contacto con otros colectivos/diseñadores freelance…?, ¿alguno de vuestro equipo ha trabajado  fuera de España a través de Internet?

Freaklances: El mercado laboral ha cambiado… Ya no existen fronteras territoriales a la hora de contratar a empresas o freelances, igual que ya no existen barreras definidas entre las distintas disciplinas. Antes había ilustradores, diseñadores, postproducción, etc. Ahora mismo un ilustrador anima en 3D, realiza la postproducción y se crea su página web para promocionarse; la tecnología y el acceso a la información han hecho que se hayan diluido las fronteras entre las profesiones.

En cuanto a la globalización es un hecho, ya no existe Madrid y Barcelona como exponentes de la creatividad en España, hay que hablar con Valencia, Bilbao, Pamplona, Tomelloso … y en el resto del mundo con Londres, Bombay, Buenos Aires, Bogotá, México D.F etc. los buenos profesionales están en todo el mundo y hay que contar con ellos

Julio Garma tiene experiencia en trabajar con otros países, VisualMente tuvo una división en Buenos Aires durante dos años, donde el skype era nuestra piedra filosofal de comunicación. La experiencia fue enriquecedora para ambas partes, pero la crisis dijo que se tenía que terminar.

HeM: Muchísimas gracias, un gustazo.

Freaklances: Un abrazo para vosotros y muchas gracias por ser los primeros en facilitarnos una entrevista.

Julio Garma y Alex Otero.

ROI es un consultor de Marketing freelance, es un ‘winner’, le gusta medirlo todo y no es sastre. En este capítulo demanda los servicios de Fausto para un proyecto interesante, ¿llegarán a entenderse?

Empezamos! What’s on es un concepto sencillo, claro y funcional: un espacio donde hablar de los trabajos de freelances del motion graphics, y cuya finalidad es fomentar el networking a partir de esto.

La primera entrevista, (dividida en dos capitulos) Freaklances ‘la serie’:

HeM: Cuidáis un montón vuestra comunicación, de hecho hace un par de días ya conseguisteis 1,397 fans en Facebook ¿cómo lo lleváis?, ¿hay alguien dedicado al tema?, ¿es improvisado? …

Freaklances: Pensamos que la comunicación es vital en cualquier proyecto… no solo en el lanzamiento de cada episodio, sino también en su preparación, evolución y cualquier detalle que pueda interesar a los seguidores. Hay que tener en cuenta que en este proyecto de animación hay gente que lo sigue como espectador pero también quienes tienen intención de comenzar algún proyecto similar. En cualquier caso es un trabajo que principalmente realiza Julio Garma.

¿Algún truco en la comunicación? Te seré transparente, no hay nada improvisado, la viralidad existe pero hay que encauzarla y avivarla. Antes de lanzar el primer episodio ya teníamos tejido todo un entramado de Social Media: Facebook, Twitter, Youtube, Vimeo, Flickr, Blog, etc. así como un emailing a distintos medios y agencias influyentes. Estos canales se fueron alimentando y preparando para el lanzamiento del primer episodio… eso sí, solo nos hicieron caso nuestras parejas y algún cuñado… Pero realmente, los catalizadores del primer hito de viralidad fueron los bloggers, ellos se encargaron de hacer público el proyecto y de que a su vez otros bloggers lo publicaran…

HeM: Supongo que el proyecto se ideó de una manera natural: en algún bar de Madrid tomando algo; o en la oficina a las 3:30 am, a punto de perder los nervios con alguna entrega… ¿pero cuándo se llegó a consolidar realmente?, ¿fue difícil decidiros a emprender una serie?, ¿expectativas?

Freaklances: Fue en la oficina ciertamente, quizá no tenga un origen glamouroso de esos de garaje en EEUU, pero freaklances no es ahora lo que se pensó en su origen. En VisualMente, agencia interactiva donde trabaja Julio Garma como Director Creativo, estaban buscando nuevos medios y formatos para publicitar la empresa y crear branding, a Julio le venía rondando por la cabeza hacer una serie web sobre alguna temática relacionada con el mundo del marketing y que fuera promocionada por VisualMente. Fue así como surgió la idea de contar aventuras y desventuras sobre los freelances… De esta manera Julio contactó con Alex que colabora como freelance en la agencia y le comentó el proyecto para que le pasara presupuesto, como otro más.

Con el presupuesto debajo del brazo, presentó el proyecto a la dirección, el cual fue rechazado por motivos económicos, diferencia de foco y objetivos. Esta idea se podría haber quedado ahí, pero Garma es un culebrilla que cuando cree en algo tira para adelante y este proyecto le olía bien… Volvió a llamar a Alex y le propuso el proyecto pero como tándem, y este aceptó como buen loco que es también.

¿Expectativas? Todas, ¿obligaciones? Ninguna, queremos asentar la serie en cuanto a producto de calidad, si esto es así los espectadores llegan tarde o temprano y una vez tienes un público, puedes ofrecer publicidad y muchos más servicios que ya tenemos en mente.

HeM: Ésta pretende ser una columna de encuentro entre freelances, un sitio donde pillar ideas para funcionar de manera eficaz, utilizando las herramientas que nos ofrecen las nuevas tecnologías, o las viejas… pero lo importante es que funcionen. En cualquier caso ¿podríais hablar un poco de los flujos de trabajo?, ¿cómo es la comunicación en el desarrollo de cada capítulo? tenéis una idea y luego cada uno va trabajando paralelamente, o trabajáis online usando herramientas como google wave, skype, etc…

Freaklances: Hemos intentado crear un método fijo de trabajo, aunque estamos empezando y seguro que se pulirá. A grandes rasgos Julio se encarga de las trama, definición de los personajes y los guiones; por otro lado Alex se encarga de la ilustración, animación y producción de los episodios.

El proceso de trabajo podría describirse de la siguiente manera:

1. Julio define físico y psicología del personaje, también un formato visual que apoya y apuntala su psicología y profesión. Este paso es discutido con Alex, el cual aporta su visión como ilustrador y animador.
2. Con el personaje definido, Alex hace un primer boceto que es aprobado por Julio, y comienza el segundo paso: planteamiento del argumento. Julio esboza un argumento del capítulo que es discutido con Alex, para integrar el mejor estilo de ilustración y animación, y potenciar lo que se quiere contar.
3. Con el argumento listo Julio desarrolla el guión, indicando hasta el último detalle: planos, detalles del escenario, movimientos de cámara, diálogos, etc. Es enviado a Alex. Se evalúan las escenas y sus dificultades.
4. Con el guión definido Alex se pone manos a la obra y va enviando las escenas a Julio para su validación. Una vez desarrolladas se realiza la postproducción.
5. Paralelamente al desarrollo animado del capítulo se graban las locuciones, en este aspecto tenemos que mejorar mucho, ninguno somos técnico de sonido y es una pata en la que cojeamos, desde aquí pedimos ayuda a algún técnico que quiera colaborar en el equipo.
6. Una vez producido el capítulo Alex se lo envía a Julio y este se encarga de publicarlo en los distintos medios sociales.

En cuanto a herramientas de comunicación, somos bastantes tradicionales, mail y teléfono… Y como herramienta avanzada utilizamos Dropbox para compartir archivos…

Capítulo 01: El Renacer from freaklances 'la serie' on Vimeo.

De momento dejamos la entrevista aquí… la semana que viene postearemos la segunda parte. Y como habéis podido leer, tenemos ya la primera convocatoria: Los chicos de Freaklances buscan Técnico de Sonido que se anime a colaborar con ellos!

http://www.freaklances.blogspot.com/

http://vimeo.com/freaklances

Ta luego!